La ocasión no podría ser más oportuna. Apenas tres semanas antes, el 13 de agosto, se cumplirán ciento cincuenta años de la inauguración del Festival de Bayreuth. Fue entonces, en 1876, cuando Richard Wagner hizo realidad un proyecto que llevaba décadas madurando: un teatro concebido específicamente para sus dramas musicales, con un anfiteatro sin palcos, un foso orquestal oculto –el célebre foso místico– y unas condiciones acústicas y escénicas pensadas para ofrecer una experiencia artística radicalmente distinta a la de la ópera convencional. Desde entonces, Bayreuth ha permanecido dedicado exclusivamente a la representación de las obras de su fundador y se ha convertido en uno de los grandes lugares de peregrinación musical del mundo.

Sin embargo, el prestigio del Festival estuvo a punto de desaparecer tras la Segunda Guerra Mundial. La estrecha identificación de Bayreuth con el régimen nazi, favorecida por Winifred Wagner –la nuera inglesa del compositor– y por la utilización simbólica que Hitler hizo del legado wagneriano, convirtió el certamen en un problema político y cultural de primera magnitud. Durante varios años pareció imposible imaginar su continuidad. Solo cuando los nietos del compositor, Wieland y Wolfgang Wagner, asumieron la dirección fue posible preparar la reapertura de 1951.

Aquella edición marcó un antes y un después. El llamado Nuevo Bayreuth se impuso para recuperar un festival interrumpido por la guerra, pero tratando de dejar atrás el ominoso pasado, lo que se hizo a través de una auténtica refundación no sólo ideológica, sino, sobre todo, estética. Wieland Wagner eliminó los decorados naturalistas heredados del siglo XIX y los sustituyó por escenarios desnudos, juegos de luces y una poderosa carga simbólica que revolucionó la puesta en escena de Wagner e influyó decisivamente en el teatro musical europeo de la segunda mitad del siglo XX. Paralelamente, una nueva generación de directores y cantantes desarrolló un estilo interpretativo más flexible, transparente y teatral, alejado de cierta pesadez que había caracterizado parte de la tradición anterior.

Precisamente ese cuarto de siglo decisivo es el que documenta una de las novedades discográficas más interesantes aparecidas en el último año con motivo del sesquicentenario del Festival. De hecho, esta caja titulada Bayreuther Festspiele – Richard Wagner Edition, publicada por Decca Eloquence, se lanzó en 2025, pero con la vista puesta obviamente en la efeméride actual. Reúne en veinticinco discos las grabaciones oficiales realizadas entre 1951 y 1974 por Decca, Philips y Deutsche Grammophon en el propio Festspielhaus, por lo que puede considerarse una auténtica historia sonora del Nuevo Bayreuth.

Llama la atención la ausencia de El anillo del nibelungo. La omisión tiene, sin embargo, una explicación evidente. Decca posee ya una referencia casi insuperable de la tetralogía: la legendaria grabación de estudio realizada por Georg Solti entre 1958 y 1965, es cierto que con la Filarmónica de Viena, pero con un reparto integrado, en buena medida, por las grandes voces asociadas al Bayreuth de aquellos años. Incluirla habría alterado el sentido de esta edición, concebida específicamente como recorrido por las representaciones en vivo del Festival, y además Decca no quiere competir consigo misma en una de las grandes referencias de su catálogo, por lo que incluir otro Anillo habría resultado contraproducente.

El contenido mantiene en cualquier caso un nivel extraordinario. Los dos Parsifal dirigidos por Hans Knappertsbusch –el histórico de 1951 y el no menos admirable de 1962– siguen figurando entre las grandes referencias discográficas de la obra. Junto a ellos aparecen el magnífico Lohengrin que Joseph Keilberth dirigió en 1953, todavía en el espléndido sonido monofónico ffrr de Decca, y el sombrío Holandés errante registrado dos años después por el mismo director, una de las primeras demostraciones de la excelencia estereofónica de la casa británica.

La selección continúa con el Tannhäuser –versión de Dresde– dirigido por un jovencísimo Wolfgang Sawallisch en 1962 y culmina con dos títulos imprescindibles. El Tristán e Isolda de Karl Böhm, grabado en 1966 con un todavía sólido Wolfgang Windgassen y una Birgit Nilsson sencillamente incomparable, continúa siendo uno de los hitos absolutos de la discografía wagneriana. Finalmente, Los maestros cantores de Núremberg, dirigidos en 1974 por Silvio Varviso –un excelente director wagneriano, hoy quizá menos recordado de lo que merece–, permiten apreciar una dirección llena de vitalidad, aunque también dejan entrever que el extraordinario nivel vocal del Bayreuth de los años cincuenta y sesenta empezaba ya a declinar.

El vigesimoquinto disco añade un atractivo suplementario: los ensayos de Tristán e Isolda con Böhm y un documento radiofónico hasta ahora inédito que incluye entrevistas con Irene Dalis y George London, protagonistas del Parsifal de 1962. Son materiales que refuerzan el carácter documental de una edición que va mucho más allá de la simple reedición de grabaciones célebres.

La visita de la Orquesta del Festival al Maestranza permitirá escuchar, aunque sea por una noche, el sonido de una institución única. Y quien desee comprender cómo nació el Bayreuth contemporáneo encontrará en esta caja una de las mejores puertas de entrada posibles: el testimonio vivo de la época en que el Festival dejó atrás las sombras de la guerra para reinventarse y recuperar el lugar esencial que hoy sigue ocupando en la historia de la interpretación wagneriana.